早期白癜风症状图片 http://m.39.net/pf/a_4793210.html特性和优势：
资源创建
优质资源
实时引擎
更加灵活的工具
远程/多用户协作
实时物理效果
分布式渲染
真实的摄像机移动
资源追踪和数据管理
避免预算攀升
虚拟制片的关键特性和优势
我们已经明确了虚拟制片的含义并介绍了它的适用范围，现在我们来快速了解下实时引擎通常情况下会给电影制作带来哪些好处。稍后，我们将逐部门介绍其具体流程和益处。
因为虚拟制片而受惠颇多的其中一个领域就是资源创建。创建资源时，在视觉保真和实时效率方面付出的努力越多，从视效预览到最终成像阶段就越能频繁地利用资源，而不必付出额外的成本和时间来重新创建所需对象。细节层级（LOD）控制和资源优化被直接整合进引擎中，使得相同的高质量源资源在适当的处理后，能够在目标帧率下实时工作，并且始终保持视觉真实度。
此外，由于优质资源是考量的一部分，并且创建数字背景和道具屋会带来额外的商机，这些商机可通过规模经济使长期制作受益，并催生新的服务提供商。这些相同的制作资源可得到快速调整并被交付到辅助流水线上，以便创建与电影相匹配的宣传图像、游戏资源和玩具。无需为每个应用重建资源即可完成，既节省了时间，又避免了因重建可能导致的质量/一致性问题。
实时擎提供更具可塑性的工具，并且可定制工具以满足电影制作人的需求，原因在于其始终处于活跃的开发状态。如果你是一名摄影指导，希望在虚拟采景图像中始终能看到一些特定的取景线，引擎可快速为你定制该功能。或者如果你希望在场景中看到某种视觉特效，你可以添加并重复使用它。
传统电影场景中的远程/多用户协作通常包括远程视频反馈或屏幕分享。实时引擎因其游戏开发本质，早已深度集成"多用户"远程协作和通信功能。例如，它可以共享远程虚拟采景会话，也使参与者能直接以协作的方式控制并参与表演捕捉会话。
实时物理效果是另一项优势，这一优势源自实时擎的游戏起源。这意味着你不仅可以在理论上创建特技并检查摄像机的移动轨迹，还可以用类似于真实的物理效果来进行模拟。此外，你也可以使用更加逼真的物理效果为视效预览和最终画面创建动画，而不必从头创建。
分布式渲染对于视觉特效动画而言并非新概念，它可能会让人联想到大量服务器机房逐帧渲染图像的场景。在实时引擎中，可利用分布式渲染来实时提高动画的性能和分辨率。可将多个引擎实例并行并协力输出到视频转换器，这意味着镜头内的实时视觉特效可以超过4K甚至8K的图像分辨率，从而提供惊人的图像真实度。
用于增强真实色彩的摄像机物理运动同样可用于虚拟制片。由于一切都是实时发生的，之前被归为后期制作的许多其他内容均可以现场拍摄。合成也可以现场完成，以便在现场对其进行评估，而不是推迟到后期制作计划中的尾声阶段。事实上，采用虚拟制片可以改变整个团队的思维方式，将其从"在后期中解决"转变为"在制作前解决"和"在制作中解决"。
通过提高协作水平可避免后期阶段预算攀升，这是虚拟制片的又一大优势。由于图像由具有可塑性的实时引擎创建，而不是由更为传统的建模和动画流水线渲染完成，所以完成后的取景镜头可在后期阶段中进行改进和更新，并且不会浪费过多的时间和金钱。
资源跟踪和数据管理与本地开发工具总是麻烦不断。之所以要创建这些本地工具，原因是在制作过程中要使用这些工具管理资源的数量和版本。实时引擎由于其固有的编程属性，从设计之初就能精确跟踪各类资源并为其设置版本，从而将此前的难题通过引擎内置功能化解。简而言之，实时引擎“免费"提供的这部分优势同样能为电影制作带来显著的益处和实用性。
虚拟制片相关部门
我们已经明确了虚拟制片的含义，分享了它的使用范围，并且大致了解了它所带来的好处。接着我们来看看虚拟制片是如何帮助项目的关键部门的。从制片人到摄影导演，从剪辑师到视觉特效监制，虚拟制片在许多部门中都彰显了其重要性。
制片人
作为一名制片人，你可以从虚拟制片中获得实实在在的益处。实时引擎使图像的真实度变得非常高，完全有可能在制作过程中对影片进行整体视效预览，在不透露任何消息的情况下对观众进行测试。这种方法使你能够构思概念，探索故事的戏剧凝聚力，并更多地接触工作室。与实际的电影拍摄和后期制作相比，这些工作成本十分低廉。
你已经习惯了在项目开发过程中使用更为传统的视效预览形式。例如，你可能已经与概念和分镜师合作过，并且试图超出剧本范围就项目风格和感受进行沟通。你也可能已经与视效预览动画合作过，在制作前期阶段就复杂的动作片段进行了沟通。
对于制片人来说，实时游戏引擎的优势包括更高的图像真实度和更高的可塑性。由于整个场景实时运行，对角度或动作进行修改要比逐帧重新渲染简单得多。你会获得更大的灵活性。时间就是金钱，而虚拟制片因其实时属性可以为你同时节约制作时间和金钱，提高了精炼概念的能力，从而将更多制作时间用在构思完善的剧本上，而不必在制作阶段争分夺秒的时刻去重新编写脚本。涉及复杂视觉特效场景时，实时LED墙作为传统绿幕的替代者，同样能为制片人带来
诸多好处。通过在LED屏幕上创建一个完整的场景，摄像机和场景中的演员可同时看到背景，从而让你的团队彻底避免“绿幕疲劳"。当演员和剧组成员习惯长时间盯着同一块单色荧幕，并且在表演上脱离故事时，就会出现“绿幕疲劳"。相反，实时LED墙能为所有人提供清晰的视觉背景，能让他们像身临拍摄地点一样全神贯注。
见证了虚拟制片多年以来的发展历程，你觉得它给制作人带来的主要益处有哪些？
我认为最重要的一点是他们会获得大量的工作内容。因为在其它制片过程中，工作人员在进入下一个工作阶段前往往需要等待较长的时间，而且这会导致成本高得离奇，他们根本无法在有限时间内有效地开展大量工作。我们请来的大多数导演都拥有一支经验丰富的视觉特效团队。他们周围都是些拥有丰富技术经验且值得信赖的专业人士。
此类合作至关重要。你必须在两方面拥有出色的专业人员，然后建立一个艺术部门（我们称之为虚拟艺术部门（VAD）），这个部门要了解虚拟制片的过程，以便其能够相应开展工作。这项工作需要工作人员掌握一种具体的专业技能。目前，越来越多的特效公司和制作公司正在与具有制作大型视觉特效电影经验的专家展开合作，并借此同时与虚拟制片和实体制片协作。
对于刚接触虚拟制片的电影制作人，他们需要经历怎样的学习曲线？
我觉得，如果有人刚接触这行并且对这个流程不熟悉，有几点很重要。我们不想让他们陷入窘境，或让他们尝试自行解决所面临的问题。我们会主动出击，首先做的就是详细了解他们就此有何想法。
然后，我们会和他们讨论解决方法以及如何实现目标。如果他们已清楚如何展开工作，就不要试图干预。也就是让演员发挥最大表演优势，我们要做的是为此提供帮助。
导演只有了解了你接下来的工作内容，他们才能集中精力负责处理一些重要事宜，而不会再浪赛时间和精力去搞清楚哪些事情有助于实现自己手头上的任务。换句话说，他们并不希望自己好像完全不在参与最终产品的制作，而是希望自始至终对整个制作过程具有掌控权。所以对我们而言，关键是确保我们要一如既往地为他们及其利益服务。
展望虚拟制片的未来，你看到了哪些潜在的商业机遇？
LED视频墙技术让所有人都为之兴奋。我们公司还算不上是一家大型视觉特效公司。大多数虚拟制片的项目都是由ILM、MPC或WETA这类公司在运作。作为一家独立的制作团队，我们希望充分发挥现有的有限人力资源实现最高的工作效益。
但我们永远都不会停止与其他公司的合作，我们一直致力于能够建立高效合作型的工作体系。所以我们无需改变我们所做的一切，他们亦是如此，我们可以无缝集成开发流程。
我认为令人兴奋的是，不同公司能够就虚拟制片的不同方面进行协作，完成独立工作下难以完成的制作任务。我认为所有这些不同公司之间的持续互助对于推动这一进程非常重要。在虚拟制片领域，竞争始终存在，而且无法避免，但合作的机会也很多，这一点不会改变。我们都在不断地交流思想，不断地向前发展，从彼此的研发成果中获益。令我激动的是，虚拟制片正在致力于实现再现现实的可能性，这有点可怕，但同时也令人兴奋。
作为制片人，你的职责是什么？
我扮演两种角色：第一个是电影的执行制片人，我拥有视觉特效的工作背景。第二个是视觉特效制片人，这是我负责的全部领域。但我同时也负责其他整体性工作，包括创意工作以及视觉特效之外的领域。
这些年虚拟制片行业经历了哪些发展？
从前，人们使用Giant软件或Maya来制作视效预览或进行简单的画面渲染，借此向你描述动画和拍摄内容，但也仅此而已。使用虚幻引擎时，它还能告知你灯光效果和进行艺术指导。这样，你可以更多地从电影制片的角度去欣赏你的影片，而不仅仅只是从技术层面去看，这样你就能看到它是如何进行创造性工作的。
在拍摄《野性的呼唤》时，我们在借助虚幻引擎拍摄之前就对整部电影进行了视效预览，并让测试观众观看了那段视效预览。我们添加了配音演员和音乐，由于虚幻引擎营造出了一种能让人感同身受的视觉特效，所以我们能够演示特效，并且在拍摄前掌握基调和故事要点。
主要角色是通过动作捕捉实现的吗？
我们的电影有点像一个有趣的谜题，因为主角是全部用CG渲染出来的狗。它们的一举一动应该与真正的狗无异，而且这些狗不会说话，也没有拟人化，就像你见过的训练有素的狗一样。所以只要狗单独出现在场景中，整个场景都会用CG制作。如果狗和人类角色一同出现，人类角色全部都是在实景中拍摄，而狗所在的位置则会用各种方法呈现，以便我们之后顺利地将狗加入场景中。
我们在前期阶段进行动作捕捉时会捕捉人类角色，但由于之后人类角色通过拍摄完成，所以动作捕捉数据纯粹用于视效预览，而且之后这些数据就被丢弃了。我们在捕捉狗的动作时，由于狗和人不一样，它们只会在特定时间做出特定动作，所以制作一段动作片段可能需要几十次动作捕捉。
你们会为所有内容制作视效预览吗？还是只为关键片段制作预览？
电影公司当然希望能预览所有内容。但当开始制作时，我们意识到没有那么多的准备时间来考虑所有内容。当时，我们已经拍了大约40分钟的电影，他们要求我们继续拍摄完成剩下影片的视效预览，我们做到了。我们最后多花了15周时间在视效制作和筹备上，并最终完成了电影的视效预览版本。
视效预览的观众测试反响如何？
我们的观众主要是一些私底下的朋友和家人，主要是帮助我们验证一些决策，同时为我们提供一些最新的反馈，我们会根据这些信息将整部电影拼合到一起。通过电影的放映，我们能够在一些问题的处理上获得更多见解，例如，如何推动整个故事的进展，如何解决拍摄中复杂的技术问题。这成了工作室在批准并投入制作前的思考策略。
你认为虚拟制片会越来越普遍吗？
只要电影合适，这就是一条非常成功的道路。我不会在每一部剧情片或超级英雄电影中都这么做，这取决于具体的动作、摄像技巧和拍摄时遇到的情况，但对于一些具有丰富虚拟元素或混合类型的电影来说，我认为这是一个重要的解决方法。由于电影制作人可以参与到制片过程中，我曾与一些不喜欢传统视效预览的导演有过合作，因为他们更喜欢通过摄像机查看布景和构图，并与他们的演员合作。
从人类演员的角度来看，它的效率要高得多。我们可以坐在一个空间内，把我们的布景和景片都拍下来，然后说，"好，你站起来走到那儿，然后坐到那把椅子上，"诸如此类。导演可以与动作捕捉演员合作拍摄一个场景，并将整个动作片段整合到动作捕捉中。然后我们有了这个主动画选择，并且可以放置虚拟摄像机，从而极大地提高了拍摄效率并能保持卓越的稳定性如果采用摄影技巧，拍摄出来的内容将会更具摄影感。在视效预览或任何类型的关键帧摄影技巧中，需确保移动的程序化和机械化。另一方面，如果是真正的摄影师在操作虚拟摄像机，那么呈现出来的画面将会更加传统，且更贴近真实摄像机拍摄的效果。在动作捕捉阶段，你可以运用摄影师使用过的所有场务器材，例如齿轮式云台、液压云台、摇臂等，确保拍摄手法真实自然。
你的电影摄影师在制作过程中参与了多少？
在拍摄《野性的呼唤》时，ASC的JanuszKaminski是我们的摄影导演，我们把视效预览给他看，并告诉他这就是大致布局。然后他会和演员们一起进入片场，等我们筹划完毕后，他就能找到最佳的镜头。因此，在那个阶段，视效预览仅仅相当于一个预览指南，指示“我们至少需实现这样的效果"
在拍摄片场，Janusz拥有充分的创意指挥权。他会提议："嘿，我有个想法，虽然视效预览用六个镜头拍摄了这个场景，但我想用一个漂亮的斯坦尼康镜头完成它。"我们说："不错，那我们试试看吧。"然后我们会设计镜头。许多镜头都超越了我们在视效预览中演示的效果。
Janusz是否也参与到了虚拟照明的工作中？
他负责灯光布置，因为灯光影响着我们所有的现场工作和演员。我们会问他：“嘿，如果我们要这么做，你会怎么设置灯光？"在某些情况下，我们现场准备了一只真狗做替身，Janusz会设置一些快速灯光，然后说：“嘿，我会这样给这只狗打光。"所以当我们拍摄CG特效画面时，我们就能与他的灯光保持一致。最终，我们在拍摄一些全CG镜头时，大多会参考他的意见去设置灯光。
引擎有哪些优势？
它能带来即时的满足感，你可以实时做出照明决策，而且能够立马看到结果，而不必花费数天等待渲染结果，因此可避免浪费大量精力搭建布景、雇佣大量工作人员以及采购大量设备，从而进一步推动创意世界蓬勃发展。
你觉得虚拟制片的下一步会如何发展？
我十分确信在将来某个时间点，虚拟制片会带给你相当高的画面质量，届时你就可以直接将片场拍摄的内容放到剪辑中或任何形式的发行中，例如网飞或者剧院等。我认为这并不遥远，大概5到10年的时间吧。最终，你会发现只有电影制片人想不到的，没有呈现不出来的。你不仅能立刻看到效果，而且之后还能做出调整。
计算机的算力永远是一个难题。如果你的场景中内容过多，气氛特效过多，有太多随风摇曳的植被，或者其中任何一种特效要素使用过多，场景运行就会很缓慢，导致你无法达到流畅播放所需的帧率。为了获得理想的帧率，需要大量的算力，还需要进行大量场景优化；你需要让场景足够吸引眼球，但同时还要删除很多内容，让它在实时运行时能够足够快。
使用虚拟制片是否需要对工作流进行一定程度的再培训？
与其说是重新培训员工，我认为倒不如说是对整个工作室重新培训。准备时间总会受到影响——部门主管就位后，会有标准20周的准备时间。但在虚拟制片中，你想要使用合适的资源以及获取电影最终呈现所需的正确数据，你还需要20周的准备时间。在这20周内，你将与视觉开发部门协作。所以你会接触到脚本开发部门和扩展视觉开发部门。然后让所有其他部门主管共同参与，按照指定目标推动工作取得相应进展，不管是实景拍摄，还是使用虚拟拍摄皆是如此。
你觉得自己是一个更加倾向于采用虚拟制片的制片人吗？
关键在于电影本身。如果你有可提高虚拟制片工作流成本效益的充足CG特效序列，那么这无疑是个很好的方法。我一直在《人猿星球》系列中尝试引入虚拟制片。我们没有完全采用虚拟制片，但是我们用到了它的不同构成元素。然后在拍摄《野性的呼唤》时，每一种构成元素都使得其它决策在制定时更合理，也更容易被剧组成员接受。
作为一名制片人，我一直在努力尝试让其他剧组成员也参与到我们的目标中来。例如，当哈里森·福特在片场时，再让摄影师去拍摄一个杂用箱而不是他本人是很荒唐的。如果电影适合使用虚拟制片，或者如果存在CG特效角色或巨型CG特效世界，我会选择虚拟制片。比起传统的视觉特效方法，你可以在你的电影中呈现更多类似的电影语言。
很明显，有时我们会受预算和时间限制。但对我来说，我们可采取更加多元化的方法，充分发挥无限创造力。而你可以将这两者融会贯通，得到两全其美的结果。
导演
作为导演，你负责指导如何将众多创意元素成功运用在一部完整电影的制作中。通过提供一个清晰而通用的取景参照，让所有参与的工作人员在整个项目中均可参照取景镜头，从而最大程度简化你的工作流程。其它能为你带来的好处包括：
对于最终画面拥有更大的掌控权。当视效预览这样的协作元素变得更容易更改和快速呈现时，你就可以在预制作阶段获得更多的创意方案。对于所有工作人员均可看到和参照的一个共同愿景，你越接近它，那么最终项目就越可能会反映这一愿景。
通过降低参考图像的创建阻力，实时引擎可使工作流的迭代性更强。这也意味着在进行创意调整时，资源的创建和修改成本更低，同时提高了所有部门主管的贡献能力。而人员参与度的提高也说明，所有人都能在工作中充分利用自己的工作经验和才能，而且不必担心预算限制。
使用实时LED墙代替静态绿幕后，作为导演，你将会获得更多的益处。比如在取景和光照方面，你的准确性和控制能力会得到提升。无需再让你的电影摄影师基于经验对取景框中的虚拟元素进行猜测，你可以直接在取景器中对它们进行取景，而电影摄影师可以根据他们的训练和专业知识对场景进行照明。你的演员能够知道他们在看什么，并且能够调整他们的表演以配合动作，避免患上“绿幕疲劳症"并失去方向感。你可以在不同的角度、布景和位置之间快速切换，以便充分利用拍摄时间，减少等待重拍的时间。
通过在虚幻擎中使用Sequencer这类专业虚拟制片工具，你还可以从更深层次直接编排元素。可重复视觉线索可以像你期望的那样复杂多样。因此，你可以更大胆地尝试创建更加多样化的序列，而不必担心预算或后勤会妨碍工作。对于导演来说，虚拟制片意味着你的整个团队都可以在你创建场景时，亲眼看到它究竟是什么样的。剪辑师将获得确保场景可行的所有元素，可以随时进行任意微调，这就意味着重拍的几率会降低，耗时更短、拍摄更高效。所以你当天在片场就可以看到场景画面，而不必等待数天、数周，甚至数个月直到最终版本制作出来，而那时你的布景也早已拆除，演员和工作人员也已经转移到其他项目上。这样你将能够放心完成所有制作过程，无需再作出任何妥协，并在后期阶段完善拍摄成果，避免出现匆匆忙忙重新开始构建的情况。
在处理虚拟场景时，你是如何指导演员表演的？
我们试着横向思考，让我们所有的视觉特效同事从早期阶段就与演员保持沟通。例如，在《阿特米斯的奇幻历险》中，我们要呈现一种可怕的生物。通过和我们负责视效及道具制作的同事商议后决定，尽管我们制作的这个生物最终会由电脑生成，但我们仍要为它制作一个13.5英尺高的全三维模型。
我们会让片场的演员提前熟悉它，尽管细节特征可能会更改，但可以大致了解一下它的规模、体积和所有其它有助于制作过程的方面，以此启发那些需要与该生物互动的演员，那些接受动作捕捉，为该生物提供表演的演员。我本来只需和演员沟通即可，但在这部电影制作中，我不仅要和演员进行沟通，还要和我们的视觉特效监制CharleyHenley进行沟通。
Charley和我此前合作过《灰姑娘》。如果如我所想，让演员掌握尽可能多的信息将会对他们的表演方式产生显著影响，那么这就是一个两全其美的和谐方法。此外，相比仅仅能看到概念插图等诸如此类的信息，为一个重要角色生成3D版本效果会截然不同。当然，我们也会和演员分享序列预览，这样做并非为了限制演员，而是让他们理解如何体现更具体化的最终序列部分。
出于同样的原因，再次以Charley为例（我当时和许多视觉特效监制合作），他会尽早参与到此类沟通中，以便尽可能地将演员对自己角色不同角度的评论重新整合到视效预览过程中。因此对我来说，当尝试将演员表演和视觉特效有机结合时，关键合作者早期的全面参与非常重要。
在《东方快车谋杀案》中，火车车窗外的图像是通过LED屏幕制作的。这是否对演员的沉浸感产生了积极影响？
影响巨大且至关重要。这种拍摄过程在确定前先经过了广泛的测试。我们走上真正的火车车厢，并且在背景实时移动的情况下拍摄了火车的内部场景。我们将它与我们在LED屏幕上播放的平板投影进行了比较，确信在这两种方式下，摄影具备相同的创意可能性。在这种情况下，我们还统计出涉及后勤保障方面的一些数据，即可能会将12名影星载到指定位置进行拍摄，但具体要取决于我们对铁路轨道的掌控情况。坦白地说，考虑到各种健康和安全问题，在火车上进行实景拍摄对我们这个项目来说非常困难。
因此这些投影屏幕至关重要，因为在测试阶段中，我们完全清楚质量会远超出可接受的水平——事实上，可以说是无与伦比。但更重要的是，由于屏幕与车厢的液压下接线相结合，致使它们能按照计算机编程脚本进行移动。这些脚本记录了火车车厢夜间在欧洲某些地区和在某些轨距上的移动情况。
火车下的液压移动设备与智能采集平板投影相结合，从我第一天进行测试起，其所呈现出来的效果从一开始就令人折服。而且当它开始变化并产生沉浸感时，登上火车的演员无不为之感到惊叹。我记得，直到我走下火车想到下一节车厢去看风景时，我才想起来自己看到的不是真实风景，而是投影画面。但它们是如此逼真，彻底激发了演员和剧组人员的想象力。
使用视效预览会影响你在电影视觉指导上的自主性吗？
作为导演，我的目标是引导基调，提供已构成部分个人视觉风格的锚定场景和镜头。我对著作权这类问题没那么在意，与我们合作的都是非常出色的企业，坦白地说，我都忘记了这个想法是谁提出来的。有时我也会有一些好的点子。不过我的工作肯定是指导和引导他们，并不断让他们了解预期的语调、感觉、情绪、氛围和叙述故事的节奏。这就是氛围统一的来源。
目前我们正在将这种方法运用到《尼罗河上的惨案》中。我们大部分的拍摄准备工作要求精确掌握船的尺寸，并且需要掌握不同角度或长镜头会在船上产生怎样不同的效果。你可以把它理解成一种语言氛围，特别是在制作一部神秘或惊悚片时，调动起这种语言氛围非常关键。在之前的电影中，有时你会向视效预览设计师或视效总监述说电影氛围，并邀请他们提供想法。
例如，《东方快车谋杀案》的创作基于对大型数字地形的理解，这类地形的创建灵感源于少女峰和慕尼黑海周边的人文景观以及边界处的马特洪峰；然后才开始讨论是否需要航拍，以及如何让航拍尽可能多地捕捉风景、地形和地貌纹理中的动态差异，而不会发出"快让飞机停留在少女峰左方上空"这类感叹。在这种情况下，我会回归自己的执导方式，采用一种灰度级或诸如此类的任何级别呈现出一种壮观的制作效果。
但我们可以通过讨论帮你找到拍摄方向，你可以反复修改镜头的动态部分。你可以从地面低处开始，也可以完全向上，就好像从艾格峰北面向上一样；或者如果你想要呈现大型或宏大的拍摄效果，你可以翻转另一边。有很多种说法，全都可以。它们可以作为之前电影的参考，也可以是连续镜头，会让你想说，"就是诸如此类的镜头，但请将此镜头也纳入其中。
"或者它直接来自概念插画师或动画设计师的想象或是一系列的对话。亦或者就像我们在《阿特米斯的奇幻历险》中呈现的那样。在虚拟拍摄中，我们穿越到Haven城的地下世界，此时如果我们想要呈现出一个完全平行的宇宙，那么实现的可能性就会很大。这和我们创作《雷神》时第一次进入阿斯加德的情况一样，挑战在所难免，但也会有无限的创作可能性。所以在我看来，这是一个步骤化的过程，所有的内容贡献都是受欢迎的。
随着电影制作技术的不断发展，了解一切可能性是否会促使着你去创作10年前无法想象的项目？
是的。我认为这是一个令人振奋的时代。特别是，我的工作背景与表演密切相关，这一点令我感到欣慰。但现在我们有了更深刻的体验，即一切皆有可能。很明显，有时我们会受预算和时间限制。但对我来说，我们可采取更加多元化的方法，充分发挥无限创造力。而你可以将这两者融会贯通，得到两全其美的结果。
当你在导演一个视觉特效密集的场景时，你会如何始终专注于表演？
在某种程度上，无论你能做什么，无论互动发生在哪里，除了要保留非凡的摄影场面，还要保留人类元素，保留考虑拍摄角色和意图的方式。但一定要让自己安心，把工作重心锁定在故事、角色上，只要有可能，任何情况下一定要将人类元素作为拍摄的核心元素。
我指的是激发元素，即便你面对的完全是非人类角色。但是，他们仍然会有意识，有欲望，有需求。试着去寻找它们以激发和调整动作或场景，让这始终成为一种必要元素。即便是在喧嚣和愤怒中，你也要找到讲故事的必要性。
作为一名导演，你在使用实时动画时的熟练程度如何？
我是从视觉特效和动画起步的。我在动画电影学校的短片让我有幸进入好莱坞。之后，我开了一家小型视觉特效公司，并借此谋生。最后我制作了一部完全由CG特效构成的小短片——《废墟》。这部短片让我获得了拍摄《移动迷宫》的机会，我开始回归实景拍摄，并成为了一名导演。
但我从未遗忘视觉特效和动画方面的技能。我学习了虚幻引擎，很快就发现它的酷炫之处，它是电影制作未来的发展方向，尤其是卖座娱乐大片。我可以穿着睡衣坐在家里，在电脑上拍摄、剪辑电影，把摄像机摆在我认为合适的位置，摆弄灯光、纹理等等。它真是棒极了。
你会如何比较虚拟制片和更为传统的电影制作？
我在最近执导的《移动迷宫》三部曲中加入了大量视觉特效元素。过程是先讨论镜头，然后看到第一个版本效果，也就是一段灰色的视效预览。然后你会说："是的，我觉得这段看起来会很不错。"接下来你开始添加纹理和灯光。下一个渲染画面出来后我们可能会说："很好，越来越接近目标了。我觉得我们的方向是正确的。"几周后，你再次看到画面，可能更接近最终效果。然后你开始努力让最后10%变得完美。
借助虚幻引擎，我可以在很短的时间里看到前80%的工作内容。我可以迅速获得视效预览、大致轮廓、纹理、位置和光照等。然后我会把大部分时间用于和艺术家们一起完成剩下的工作。虚幻引擎可用于快速开发视觉特效原型，使视效预览呈现出更加卓越的效果，并且针对你所看到的内容为你提供更多信息。
这种更高的控制能力是否会让你在指导影片时拥有更多的自主权？
这取决于你的个人习惯和你的目的。作为一名导演，我拥有视觉特效方面的背景，在使用虚幻引擎时感到轻松自在，没有因此产生任何挫败感。我知道，有些导演不喜欢亲自出马，他们更愿意让其他艺术家去实现自己想要的效果。
就你与电影摄影师的合作而言，传统制作和虚拟制片有何不同？
在《移动迷宫》中，我没有这类工具集，无法使用虚拟摄像机进行拍摄。在虚拟制片中，我和我的摄影师GyulaPados一起工作，我们构建了各种各样的虚拟工具。你可以更换镜头，设置光圈，设置焦距，创建场景并且设置灯光。然后透过摄像机，你就能看到你制作的电影，或者至少已经非常接近电影的最终效果。它们是非常直观的工具。
与更为传统的视觉特效处理相比，你的拍摄工作如何随着虚拟制片而变化？
这取决于你想获得什么样的结果。如果你在制作视效预览，你可以随便画一些粗线条，然后至少可以说上一句："嘿，差不多就像这样。"这有助于成员了解你想要实现的基本氛围。但虚幻引擎的美妙之处在于，无论你在Maya中的模型有多粗糙，仅需一两个小时就能让它在虚幻引擎中运行，而且模型上能拥有逼真的光照效果，并且看起来还很不错。所以你看到的不再是以往在视效预览中看到的灰色立方体。
我们尝试把场景真实地还原出来，但说到底我们不可能把所有时间都花赛在制作场景物品的所有细节上。我们从概念艺术着手，然后开始构建。所幸，通过模块化的系统和标准化的建筑语言结构，我们能够快速搭建出一栋建筑或任何你所需的场景。你把摄像机放在场景中，让一名演员穿着动作捕捉套装开始表演。然后突然之间，你就仿佛看到了电影的最终画面，并且知道该如何构图并拍摄场景了。
与传统场景相比，在动作捕捉中指导演员有什么不同？
这是个难点，可能会显得非常不自然。我和AndySerkis合作过，他堪称是表演捕捉界的教父。他说只有特定类型的演员愿意接受这种任务。我曾经和一些非常有名的演员交流，他们一想到不能看着其他演员身着戏服在他们面前表演，而是看着陌生人穿着动作捕捉服表演，就感到很不自在。但他们又无法避免这个问题。
我对此表示理解，但仍会有些演员更愿意像孩子那样去表演。你站在舞台上，只需专注与演员同伴的互动并完成表演即可。你必须相信所有这些技术设备会捕捉到你所做的一切。
演员有时需要一些帮助才能想象出场景的样子，不过一旦角色之间最终建立起真实的情感联系，一切便渐入佳境。你可以放开摄像机，因为你就在场景中，演员们在做他们的事情，而你就像在观看戏剧一样看着他们。
有时候，由于没有考虑清楚与摄像机和镜头距离问题，很容易给自己惹上麻烦。我们都知道，演员在片场中的距离改变—两英寸，都会导致画面布局发生改变。你不得不这样处理："我认为我可以在接下来的一周获取该场景的拍摄技巧，或者现在就在摄像机中和演员们一起查看拍摄效果，确保其符合我们的预期。"走位、位置交换，所有诸如此类的内容。这是一种独特而令人兴奋的全新拍摄方法。
你是否想过在新项目中采用虚拟制片？
没有，因为我觉得不是每一部电影都要这样拍。这并不是说我们不能拍这样的电影。而且这些项目的发起成本已发生变化。一部电影想要完成拍摄，十年前需要5亿美元，而现在只需1,5亿美元。这些工具使拍摄变得更加简单高效。这才是真正厉害的地方。我们目前已处在这样一个阶段：只要你有任何灵感，而且有足够的资金和时间，你就能实现它。虚拟制片能够快速构建原型并实现这些想法。
你对其他刚接触虚拟制片的导演有何建议？
就和你拿到一个崭新的摄像机、镜头、灯光、吊臂或斯坦尼康摄影机稳定器一样，你不能等到拍摄当天才去了解这些装备，而要事先学会如何使用，弄清使用方法。对于那些涉足虚拟制片但不熟悉这些工具的人来说，他们不会有什么问题，因为会有一群技术人员帮助他们。
一般来说，电影拍摄的方式千奇百怪，而这不过是其中一种。如果你愿意去琢磨这些新工具，你会玩得很尽兴。和任何电影制作过程一样，你也会遇到很多挫折，但我从中得到的乐趣要比挫折多得多。
你认为虚拟制片接下来的发展方向是什么？
我喜欢围绕虚幻引擎制作产品，因为制作一部电影其实就相当于制作一款游戏。至少你可以用这些电影资源轻松地制作一款游戏出来。这样粉丝或者观众就可以体验我们创造的世界，这也可以进一步拓展不同的娱乐体验。
我们目前已处在这样一个阶段：只要你能有任何灵感，而且有足够的资金和时间，你就能实现它。虚拟制片能够快速构建原型并实现这些想法。
WESBALL
摄影导演
作为一名摄影导演，你要对画面中的一切负责。但在拍摄包含大量视觉特效的项目时，这是一个巨大的挑战，因为很多画面都是在主要拍摄工作结束后很久才制作出来的。演员独自站在一幅巨大的绿幕前进行拍摄，会产生一种迷失和手足无措的感觉，这是现代电影制作中很常见的现象。虚拟制片有助于让你准确把握最终画面。虚拟制片还可以让你更好地与美术部门、产品设计师和视觉特效团队协作。团队的共同努力会对最终画面产生很大的影响。以下是一些合作案例：
在预制作阶段，虚拟制片远不止是视效预览动画。过去，由于视效预览涉及的逐帧动画十分耗时，因此对它的开发过程通常与其它开发过程相互独立。传统的视效预览不具有可延展性或协作性，因此在直接交互方面与传统分镜师的工作没有太大不同。借助实时引擎，你就可以与其他非工程师背景的同事直接制作出具有真实物理效果的视效预览。
实时现场采景可能需要你佩戴虚拟现实头显（HMD），然后直接与播放中的视效预览动画进行互动。你可以通过VR手柄直接操控虚拟场景中的元素，就像你在真实场景中所做的那样。你可以在实时引擎中使用虚拟摄像机策划镜头。简而言之，你将能够更为直接地影响外观制作、视效预览镜头设计和取景，而这些最终会直接影响现场拍摄中所作出的决策。这样让所有人都向同一愿景看齐就变得更容易了。
如果电影的制作过程涉及表演捕捉，虚拟制片则可以采用多种形式。你可以与穿着动作捕捉套装的演员协作，为之后的数字角色提供参考。协同虚拟摄影机可以提供与动作捕捉演员保持同步的虚拟角色的实时预览，并将虚拟角色实时重叠至摄像机输出画面上，从而为你提供协助。这使得取景和计时变得更加直接。
如果将实时LED墙用于制作，摄影指导能找到许多新方法来控制图像。转场会变得非常省时，因为剧组成员、演员、布景等无需移动，你只需旋转屏幕背景上的风景，就能立马重新设置转场，而不必再花费数个小时来完成。这也意味着，你可以掌控一天当中的拍摄时间，将场景调整至所需的任何氛围和色调。
我相信对大多数电影摄影师来说，最大的挑战是他们不知道要为什么内容打光。
HarisZambarloukos
互动视觉特效灯光是另一项主要挑战，也就是在绿幕上同步电影灯光和视觉特效。使用传统绿幕时，你通常只能基于经验推测灯光颜色、亮度和质量与最终合成到画面中的内容保持一致。实时LED墙可以通过提供可视化特效极大程度上解决这个问题。此外，通过将DMX/网络化灯光控制与实时引擎相连接，电影灯光可以与屏幕效果相结合，实现自动同步和无限重复性。
和其它技术一样，LED墙也带来了一些摄影上有待重视的挑战。请与负责采购LED面板的团队仔细协调，确保有足够的像素间距以避免出现潜在的摩尔纹问题。摄像机距离屏幕越近，焦点就越容易集中在屏幕而不是前景上，这个问题就越突出。虽说如此，在进行摄像机测试时，很容易在显示器上发现摩尔纹，因此你能迅速判断出所选的LED面板在锐度上是否存在任何问题。
电影灯光反射到LED屏幕上产生的光污染成为了另一项潜在挑战。由于LED墙是一个发射源，一旦主光或聚光灯照射在屏幕上就会产生热点。对照明设备进行仔细标记并确保其与屏幕之间距离合适，则可以减少这个问题。
虚拟绿幕布置还极大地简化了需要后期制作合成的镜头。你无需再搭建一块巨大笨重的绿色戏幕，然后再小心谨慎地给绿幕打光，而是可以通过引擎直接把绿色区域精确放置在LED墙的既定位置上。效果之间看不到屏幕缝隙，而且打光效果十分完美。你甚至可以将特效和摄像机以及演员跟踪结合起来，创建一个光晕特效，使绿幕区域能精确跟踪演员的轮廓，避免出现溢光和光污染。
同时，还应将色彩科学和屏幕图像的色彩深度考虑在内，确保屏幕应用的色彩平衡和可能的色彩对照表（LUT）能够为你的摄像机及其支持设备的设置提供补充。此外，如果准备使用LED墙来扩展前景布景，则需谨慎调整色彩平衡，从而尽可能实现平滑过渡。为了让这种结合显得恰如其分，还需平衡电影灯光单独的色度和强度。为简化这一过程，可通过实时分级系统对实时引擎镜头进行处理，然后再输出到LED墙，确保画面内所有元素之间获得最精确的配色。
成功的虚拟制片为你提供实验多种摄影方法的工具，以便应对艺术创意和新的变数，让你可以直接将虚拟元素当做工具箱中的另一种工具。虚拟制片可为现场工作人员的工作提供支持。他们渴望与你合作，为创作出能够讲好故事的伟大影片而共同奋斗。
你能否描述一下你在电影摄影演变中与虚拟制片有关的经验？
在早期的《蜘蛛侠》电影中，我们能依靠的只有想象力。例如，当蜘蛛侠从这幢楼荡到那幢楼然后落下来时，他的速度有多快？摄像机机身的移动调校非常不精确，你基本只能想象画面中的CG特效角色。我使用VistaVision维士宽银幕摄影机拍摄了这两部电影中的蜘蛛侠部分。所以，如果我们后期改变了主意，想让某人比原始镜头中想象的样子走得更快、更靠左或更靠右时，画面上会有一片区域让你重新定位。
如今，一切都要复杂得多。借助虚拟制片，导演和电影摄影师在显示器上看到的基本上都是完成的图像。我们在《奇幻森林》中就有类似的情况：真人扮演的森林王子走在虚拟的Baloo身边。或者你可以看到《权力的游戏》中的巨龙在你的镜头里有多大。你可以为这些虚拟角色设计画面，你甚至可以看到它们身上的打光效果。
你是否认为技术让视觉特效更容易实现？
由于人们习惯于使用技术完成所有电影制作，因此一切都变得越发简单。在最初的几次尝试中，你主要从事这个领域中的技术研发工作。当面对全新的制作技术时，你需要把握住更多体现创新的机会，毕竟机不可失，时不再来。一味墨守成规不利于创新。如果你告诉我有些事是做不到的，我会觉得是你在向我挑战。我一定会非常努力地搞清楚这到底是不是牢不可破的铁律。
电影摄影师和特效师处理图像的方式有何不同？
我们都以自然世界为灵感。我最近和《TheMill》的动画师进行了交流，讨论了自然光以及如何模拟它们。我们当时在一个礼堂里，我说:“我们到外面的停车场去吧。"于是我们站起来，然后走到停车场去观察光照。
然后我问道：“你如何在制作中区分阳光和阴影？你觉得是什么在照亮这种阴影？是什么在照亮这面墙的这部分？是什么照亮了天空？这种效果是否赏心悦目？"我让他们像摄影师一样思考一些基本问题，但我认为这对他们来说具有一定的启发性。他们已经拥有完成这项工作的技术工具，但我告诉他们，他们拥有的最好的工具是他们自己的眼睛。
摄影传达的是一种情感，而你只是在为即将呈现的电影提供氛围。思考哪种情感更适合它，然后做出相应的修改。哪些电影让你产生了某种感觉？这只是初步的交流，但我们基本上做着同样的工作。
当画面的大部分内容都通过后期制作完成时，作为图像的把控者应如何协调？
在《奇幻森林》中，我们试着在场景中尽可能多地搭建布景。如果角色需要穿过河流，我们就在舞台上搭建出一条河的布景。我们把丛林建在两个不同的舞台上，每晚都更换使用。它们都搭建在滚轮上，我们会在一夜之间呈现出一个新的丛林。扮演森林王子的演员只有九岁，所以我们会让他每天拍摄三四个小时，剩下的时间我们用来构建丛林布景，基本上就是在一个拥有真实草丛和真实树木的丛林中工作。
而且别忘了，我在几个月前就已经用动作捕捉摄像机拍过这部电影了。这部电影已经经过拍摄和剪辑，所以在我在片场进行真人实景拍摄前，我已经能够看到整个拍摄效果。我们并不需要猜测屏幕内容，视觉特效团队很清楚有哪些内容。他们已经制作出动物动画和我们在舞台监控中看到的一些背景画面。我们始终尝试让所有人都尽可能多地了解情况，并且在拍摄时尽量让所有人保持同步。
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